Geoffrey Arnold «Jeff» Beck nació en Wallington, Gran Londres, el 24 de junio de 1944. Este londinense fue un excelso guitarrista de rock y blues que tocó en varias bandas influyentes en las décadas de 1960 y 1970. Fue uno de los tres notables guitarristas que tocaron en The Yardbirds, siendo Eric Clapton y Jimmy Page los otros dos.
Durante 25 años mantuvo una esporádica carrera en solitario, a pesar de no haber alcanzado nunca la proyección comercial de sus contemporáneos, Beck tuvo un gran reconocimiento, especialmente en la comunidad de guitarristas y músicos del género. Experimentó con el blues rock, el rockabilly, el heavy metal y el jazz fusión y en su última época había absorbido influencias del techno, creando una innovadora mezcla de heavy metal y música electrónica.
Beck participó en álbumes de artistas como Rod Stewart, Mick Jagger, Ozzy Osbourne, Tina Turner, Morrissey, Donovan, Diana Ross, Jon Bon Jovi, Malcolm McLaren, Kate Bush, Roger Waters, Stevie Wonder, Les Paul, Zucchero, Cyndi Lauper, Brian May, Roger Taylor, Stanley Clarke, Screaming Lord Sutch, ZZ Top y Toots and the Maytals.
Fue ubicado en la quinta posición de la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia elaborada por la revista Rolling Stone, publicación en la que apareció en tres ocasiones en portada y que lo mencionó como «uno de los guitarristas líderes más influyentes en la historia del rock».
Beck ganó el Premio Grammy en la categoría de mejor interpretación instrumental de rock en seis oportunidades y de mejor interpretación instrumental pop una vez. En 2014 recibió el Premio Ivor Novello por su contribución a la música británica y fue presentado en dos ocasiones en el Salón de la Fama del Rock and Roll, como miembro de The Yardbirds (1992) y como músico solista (2009)
Beck falleció de una meningitis bacteriana, en enero del 2023 (78 años), en el Reino Unido.
Aquí una hermosa canción, -con un gran mensaje-, cantada por Rod Stewart y con la participación de Beck con su gran virtud guitarristica.
Esta legendaria banda londinense de rock fue fundada en 1967 por Marc Bolan, en la guitarra y la voz. Al principio tomó el nombre de Tyrannosaurus Rex, lanzando en total cuatro álbumes de estudio, con un sonido acústico cercano al folk rock y rock psicodélico. También incursionaron en el Glam rock (como pioneros del género), el Gospel y el Boogie Boogie.
Entre sus principales miembros estaban Marc Bolan, Steve Peregrin Took, Mickey Finn, Dino Dines y Steve Currie (todos estos ya fallecidos). Entre los miembros que todavía viven estuvieron Bill Legend, Gloria Jones y Jack Green.
A partir del tercer álbum, Unicorn (1969), la agrupación londinense empezó a cambiar su estilo musical, añadiendo nuevos instrumentos como la guitarra eléctrica. En 1970, Bolan acortó el nombre del grupo a T. Rex y grabó piezas más accesibles. Con el álbum Electric Warrior el grupo se encuentra con un éxito sin precedentes en el Reino Unido, desde los Beatles.
Hot love (1971)
El éxito de T. Rex es rotundo y se convierten en poco tiempo en la banda más popular (después de The Beatles) y en la primera banda de glam rock de la historia. Los sencillos «Hot Love», «Get It On», «Telegram Sam» y «Metal Guru» alcanzaron el primer lugar en la lista UK Singles Chart. A partir de 1974 el grupo se volvió mucho menos popular, pero su música siguió evolucionando. Agregaron nuevos estilos a su sonido como soul, funk y gospel.
20th Century boy (1973)
La banda pasó por múltiples cambios de personal, con Marc Bolan como único miembro constante, también era el único letrista y compositor del grupo. La agrupación dejó de existir en 1977, tras un trágico accidente automovilístico que provocó la muerte de Bolan con apenas veintinueve años. Desde entonces, el grupo ha ejercido una influencia considerable en bandas de diferentes géneros musicales durante varias décadas. Actualmente T. Rex se encuentra inactiva, con la mayoría de sus principales miembros fallecidos.
Jeepster (1971)
Uno de los éxitos más importantes de esta legendaria banda fue 20th century boy de 1973, llegando a los primeros puestos en los charts británicos.
Nació en Londres (Reino Unido), pero desde su niñez vivió en Brooklyn (Nueva York). Estudió guitarra con los jazzeros Rodney Jones y Ted Dunbar. Sus primeras grabaciones fueron con la banda del baterista y compositor de jazz Ronald Shannon Jackson, con en el que Reid colaboró en la década de 1980 antes de formar Living Colour. También trabajó con una amplia variedad de bandas y músicos experimentales como Defunkt, Public Enemy, Bill Frisell, John Zorn y Arto Lindsay, entre otros.
Fundó la Black Rock Coalition junto al periodista Greg Tate y al productor Konda Mason, a mediados de los 80, que buscaba igualdad de oportunidades para artistas afroamericanos marginados, promocionaba bandas de su seno, realizaba conciertos y firma de contratos discográficos para todo tipo de trabajos. Sin embargo, el concepto de raza negra de la B.R.C. cayó porque fueron tomando en sus filas a artistas latinos, orientales, mujeres, etc.
En 1984 formó la banda Living Colour con la que grabó tres larga duración y un EP, hasta la separación en 1995. En Living Colour logró prestigio y reconocimiento que lo llevó a colaborar con artistas como B.B. King, Carlos Santana, Mick Jagger, The Ramones, Rollins Band, Tracy Chapman y Jack Bruce, entre otros.
Los años posteriores a Living Colour comienza su etapa como solista. En 1995 lanzó su primer disco llamado Mistaken Identity. Entre sus múltiples proyectos forma Yohimbe Brothers,[1] junto a DJ Logic, y edita dos placas (Front End Lifter y The Tao of Yo). También experimenta con un proyecto de rock, jazz, hip hop y electrónica llamado Vernon Reid & The Masque. En el 2001, se reúne con Living Colour y lanzó el disco CollideØscope, pero al mismo tiempo se mantiene trabajando con las otras bandas que formó.
Vídeo de Vernon para Guitar World haciendo su celebre riff del tema "Cult of personality":
Esta maravillosa película trata sobre las vicisitudes en la vida de un joven estudiante de conservatorio de música clásica. El nombre de este chico es Eugene Martone y si tiene algo bien en claro, es que quiere ser un gran músico de la música del delta del Mississipi.
Para ello, Eugene (Ralph Macchio), contactará a una de las leyendas vivas del Blues, -olvidado en un oscuro geriátrico-, un músico de la vieja guardia blusera llamado Willie Brown (Joe Seneca). Este era el compañero de la mayor leyenda del Blues de la historia, el mítico y efímero Robert Jonhson. Pero lejos de ser este post una aburrida sinópsis de una de las mejores películas de Blues de toda la historia, lo interesante es que hay obras de arte que marcan a una generación, -en este caso de guitarristas-, por la trascendente aparición de otra leyenda, como es el virtuoso Steve Vai.
Con todos los ingredientes de la leyenda del Crossroads americano y la encrucijada entre el bien y el mal, los protagonistas consiguen llegar al punto Fulton y dar con el mismo Diablo para pedirle fama y dinero. ¿La condición para lograrlo? Superar en un duelo a Jack Butler, el guitarrista más virtuoso del momento.
Todo lo demás quedará plasmado en un duelo de titanes: Eugene (Macchio) contra Jack Butler (Steve Vai). Con un contundente despliegue de guitarra clásica del pupilo de Willie Brown y un poco de mojo del delta, -una especie de amuleto de buena suerte para este tipo de desafios-, Martone dejará humillado a un misterioso y endiablado Jack Butler.
¿Y la grabación de la guitarra Telecaster de Macchio? Quedará a cargo del propio Steve Vai, que para ese entonces era el muchacho de oro de aquella languidescente época de Rock y Blues. Vai fue un verdadero pupilo de leyendas de la musica como Frank Zappa y Joe Satriani.
Joe es un virtuoso guitarrista de rock instrumental estadounidense. Fue nominado en 15 ocasiones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.
Según otros guitarristas y especialistas, ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells y tap harmonics. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra; entre sus alumnos se incluyen: Tom Morello, Alex Skolnick, Larry LaLonde, Andy Timmons, Reb Beach, Rick Hunolt, Charlie Hunter, Kirk Hammett y Steve Vai.
Descendiente de italianos, Satriani nació en Nueva York. Su pasión por la guitarra empezó a la edad de 14 años, después de enterarse de la muerte de Jimi Hendrix. En 1974 Satriani empezó a estudiar música con el guitarrista de jazz Billy Bauer y el pianista Lennie Tristano. Este último fue una gran referencia para el sonido virtuoso de Joe. Este pasó de ser alumno a enseñar guitarra, siendo Steve Vai su pupilo más notable.
En 1978, Satriani se trasladó a Berkeley, California para iniciar una carrera musical notable. Establecido allí, continuó con la docencia musical.
Los ochenta y noventa
Satriani inició su carrera en la agrupación The Squares. Luego fue invitado a unirse a la banda de Greg Kihn, el cual se encontraba en el final de su carrera musical, pero que generosamente se encargó de ayudar a Satriani a pagar la deuda de la grabación de su primer trabajo discográfico, Not of This Earth. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai consiguió fama tocando para la agrupación de David Lee Roth en 1986, seguía mostrando gran admiración por Joe en muchas entrevistas.
En 1987 grabó su segundo álbum, Surfing with the Alien, con el que consiguió un gran reconocimiento en la escena, logrando posicionarse muy alto en las listas, algo poco común tratándose de un álbum completamente instrumental. De dicho álbum lograron radiodifusión las canciones "Satch Boogie" y "Surfin' With the Alien". En 1988 Satriani colaboró en la producción del EP The Eyes of Horror de la banda de death metal Possessed. En 1989 lanzó el álbum Flying in a Blue Dream, al parecer inspirado en la reciente muerte de su padre, quien falleció en 1989 durante las grabaciones del disco. La canción "One Big Rush" hizo parte de la banda sonora de la película de Cameron Crowe Say Anything.... "The Forgotten Part II" fue utilizada en un comercial canadiense de la marca Labatt Blue en 1993.
En 1992, Satriani lanzó The Extremist, su álbum más exitoso y aclamado hasta la fecha. La canción "Summer Song" gozó de plena radiodifusión, además de hacer parte de un comercial de la marca Sony. "Cryin'," "Friends" y la canción homónima también lograron conquistar las radios de la época. A finales de 1993, Joe se unió temporalmente a la legendaria agrupación Deep Purple, reemplazando al guitarrista Ritchie Blackmore durante una gira de la banda por Japón. Los conciertos fueron un éxito, por lo que se le ofreció a Joe ser un miembro permanente de la banda. Satriani decidió rechazar la oferta, pues previamente había firmado un contrato con Sony Records para la grabación de varios álbumes más. El guitarrista Steve Morse tomó finalmente el puesto que dejó vacante el propio Satriani en Deep Purple.
En 1996 fundó el G3, un proyecto que constaba de tres guitarristas virtuosos. La formación original incluía a Satriani, Vai y Eric Johnson. El G3 ha continuado de forma periódica desde su creación, siendo Satriani el único músico que ha permanecido inamovible en el proyecto. Otros guitarristas que han participado del proyecto son: Yngwie Malmsteen, John Petrucci, Kenny Wayne Shepherd, Robert Fripp, Andy Timmons, Uli Jon Roth, Michael Schenker, Adrian Legg, Paul Gilbert, Steve Morse y Steve Lukather. En 1998 Satriani grabó el álbum Crystal Planet, con un sonido que recuerda al de sus discos de finales de los ochenta. Engines of Creation, uno de sus álbumes más experimentales, vio la luz en el año 2000, seguido por su primer directo titulado Live in San Francisco, lanzado en formato de disco dual.
Años 2000 al presente.
Durante la década del 2000, Satriani grabó álbumes de manera constante, incluyendo Strange Beautiful Music en 2002 y Is There Love in Space? en 2004. En mayo de 2005, Satriani dio conciertos en la India por primera vez, dando recitales en Delhi, Kolkata y Mumbai. En 2006 grabó Super Colossal y Satriani Live!, extraído de un concierto en Anaheim, California.
En mayo de 2013, Joe lanzó su álbum de estudio número 14, titulado Unstoppable Momentum. El disco fue acompañado de una extensa gira que llevó a Joe a países que no había visitado frecuentemente, como Colombia. Un box-set titulado Joe Satriani: The Complete Studio Recordings, conteniendo versiones remasterizadas de Not of This Earth a Unstoppable Momentum, fue lanzado el 22 de abril de 2014. Un libro llamado Strange Beautiful Music: A Memoir se lanzó para coincidir con la fecha de lanzamiento del box-set.
Actualmente además de continuar como guitarrista solista, se ha unido con figuras históricas del rock para formar la banda Chickenfoot, junto al excantante de Van Halen Sammy Hagar, el exbajista de la misma banda Michael Anthony, y el baterista de los Red Hot Chili Peppers Chad Smith.
Colaboraciones con otros artistas:
Satriani ha hecho apariciones en varios trabajos discográficos de otros artistas, incluyendo Hey Stoopid de Alice Cooper, Break Like the Wind de Spinal Tap, Imaginos de Blue Öyster Cult, y los discos solistas de Stu Hamm y Gregg Bissonette. Fue corista en el álbum debut de la banda Crowded House. En 2003, tocó la guitarra en el disco Birdland de los legendarios Yardbirds. En 2006, participó en algunas canciones del disco Gillan's Inn del cantante de Deep Purple, Ian Gillan.
Robert William Gary Moore nació en Belfast, Irlanda del Norte, un 4 de abril de 1952. Fue un destacado guitarrista y considerado por la públicación “Rolling Stones” como uno de los mejores guitarristas de rock y blues de todos los tiempos. Además fue un músico, compositor y productor británico de blues rock y hard rock.
Este excelso guitarrista fue líder en bandas como Skid Row, Colosseum II y Thin Lizzy, además de tener una extensa carrera en solitario como vocalista.
Influenciado por guitarristas de blues y rock, a los diez años comenzó a practicar la guitarra de manera autodidacta con el apoyo principalmente de su padre. Luego de integrar algunas bandas locales, en 1968 se fue de Belfast para establecerse en Dublín. En la década de 1970 fue parte de Skid Row (1968-1971), Colosseum II (1975-1978) y Thin Lizzy (1974, 1977, 1978, 1979). Paralelo a ello, inició su carrera solista de manera parcial con Grinding Stone (1973) y Back on the Streets (1978), y colaboró como músico de sesión para artistas como Cozy Powell, Andrew Lloyd Webber, Eddie Howell, Rod Argent y Gary Boyle, entre otros. En 1979, luego de renunciar a Thin Lizzy, viajó a Los Ángeles y fundó G-Force, cuyo único álbum salió al mercado en 1980. Tras dos años de trabajar con Greg Lake, en 1982 firmó con Virgin Records y antes de terminar la década publicó cinco producciones con un estilo ligado al hard rock y heavy metal. Con ellos logró éxito comercial en Europa, principalmente en los países escandinavos.
A finales de 1989 anunció que estaba aburrido del metal y que haría el álbum que siempre quiso realizar. Titulado Still Got the Blues (1990), su estilo estaba enfocado en el blues, su principal gusto musical. A pesar del cambio de estilo, dicha producción le trajo consigo positivas críticas de la prensa especializada como también un importante éxito comercial, con ventas que superan los tres millones de copias. Dicho éxito lo replicó con After Hours (1992) y el en vivo Blues Alive (1993). En 1993 hizo un paralelo a su carrera cuando formó el power trio Bruce–Baker–Moore junto con Jack Bruce y Ginger Baker; Around the Next Dream, su único disco, se publicó en 1994. Después de tributar a Peter Green —su principal influencia— con Blues for Greeny (1995), en la segunda mitad de los años 1990 experimentó con el pop y el dance con Dark Days in Paradise (1997) y A Different Beat (1999). En los años 2000 retomó el blues y el blues rock con cinco producciones de estudio y el hard rock con el álbum Scars (2002). En 2010 realizó una gira en donde volvió a interpretar sus éxitos de hard rock y heavy metal, y quería volver a tocar rock en un nuevo álbum de estudio. No obstante, estos planes se vieron trucados cuando el 6 de febrero de 2011 falleció a causa de un infarto agudo de miocardio, mientras estaba de vacaciones en Estepona, España.
Gary Moore es recordado por su trayectoria ecléctica, puesto que interpretó rock, hard rock, heavy metal, blues, blues rock, jazz fusión, entre otros estilos. Como guitarrista poseía una interpretación rápida y técnica, pero a la vez melódica y expresiva, dominaba distintas escalas y ejecutaba una variedad de recursos como por ejemplo el legato, hammer-on, shred y pull-off. Considerado como un virtuoso, varios guitarristas de blues, hard rock y heavy metal lo han citado como una de sus influencias.
A lo largo de su carrera, principalmente, se asoció a la guitarra Gibson Les Paul 1959, aunque tocó guitarras de diversas marcas como Fender, PRS Guitars, Takamine, Hamer y Charvel. Después de su fallecimiento, ha sido homenajeado y tributado por varios artistas, se han editado producciones póstumas y algunas publicaciones como Total Guitar, Classic Rock y Louder lo han incluido en sus listas de los mejores guitarristas de todos los tiempos.
Corría el año 1982, KISS ya se había hecho un hueco en lo más alto de la escena del rock desde su debut con el álbum homónimo de 1973, y Bryan Adams era un joven cantautor de 23 años aún desconocido.
Mientras trabajaban en ‘Cuts Like a Knife’ (1983), el que sería su tercer álbum de estudio y su llave al éxito, Adams y el compositor Jim Vallance recibieron la llamada del productor de KISS Michael James Jackson, que les ofreció escribir una canción junto a Gene Simmons. En un primer momento no tuvieron muy claro si debían aceptar o no, porque trabajaban estilos distintos, pero vieron que era una buena oportunidad para seguir adentrándose en el mundo de la música, como comentaba Vallance: “Para ser sincero, nunca he sido un gran fan de KISS, pero era el principio de nuestra carrera como compositores y KISS estaba vendiendo muchos más discos que nosotros, así que me pareció una buena idea”.
"Estaba encantado de trabajar con ellos", ha dicho Adams durante su entrevista en el podcast ‘The Eddie Trunk’. "Yo era un compositor arruinado, llegó en el momento perfecto. Mientras estaba sentado con la banda, Gene (Simmons, bajista de KISS) me tocó este fantástico riff de bajo, que acabó siendo la columna vertebral de ‘War Machine’. Intentaba pensar en un tema que pudiera encajar con el riff y se me ocurrió el título, que en realidad era un homenaje a un personaje de cómic”.
Gracias a esta primera toma de contacto, surgió la oportunidad para escribir una segunda canción, “Rock And Roll Hell”: “‘Rock And Roll Hell’ era en realidad una canción de Jim que había salido unos años antes con Bachman Turner Overdrive. Sugerí que la reescribiéramos con KISS, ya que los temas del infierno y la guerra estaban extrañamente en primer plano en mi mente en aquel momento. Es increíble pensar que, por desgracia, esos temas se están reproduciendo de verdad en el mundo actual, pero estoy muy agradecido a los chicos de KISS por darme la oportunidad en aquel entonces”.
Ahora, más de cuarenta años después y con una brillante e intachable carrera en la música, Bryan Adams ha creado su propio sello discográfico Bad Records, y su primer lanzamiento será un vinilo con su propia versión de “War Machine” y “Rock And Roll Hell”, las canciones que escribió para KISS. Además, durante su estancia en Londres de su gira ‘So Happy It Hurts’ el pasado mayo, también grabó un videoclip para “Rock And Roll Hell” desde la azotea del Royal Albert Hall de la capital británica.
Este último trabajo del artista ya está disponible para escuchar online y el vinilo saldrá a la venta el próximo 30 de agosto, aunque ya puedes reservarlo. Por otro lado, Adams continúa con la gira ‘So Happy It Hurts’ que arrancó en 2022 y con la que estará esta noche en Quebec, Canadá, su país natal. Por cierto, atento a las fechas, porque pasará por España con cinco conciertos en noviembre.
Fechas de So Happy It Hurts Tour 2024 - Bryan Adams:
Aug 02: Lévis Festivent, QC, Canada
Aug 03: Rimouski Parc Beauséjour, QC, Canada
Aug 04: Mani-Utenam Festival Innu Nikamu, QC, Canada
Aug 06: Chicoutimi Zone Portuaire de Chicoutimi, QC, Canada
Aug 07: Joliette Amphithéâtre Fernand-Lindsay, QC, Canada
Aug 09: Rouyn-Noranda Festival Osisko en Lumière, QC, Canada
Aug 10: Saint-Jean-sur-Richelieu Festival de Montgolfieres, QC, Canada
Sep 05: Berlin Messe Berlin – Summer Garden, Germany
Sep 30: Paris Zenith, France
Oct 01: Luxembourg Rokhal, Luxembourg
Oct 03: Brussels Forest National, Belgium
Oct 04: Rotterdam Ahoy Arena, Netherlands
Oct 05: Dusseldorf PSD Bank Dome, Germany
Oct 06: Hamburg Barclays Arena, Germany
Oct 08: Frankfurt Festhalle, Germany
Oct 09: Stuttgart Hanns-Martin-Schleyer-Halle, Germany
Oct 10: Leipzig Quarterback Immobilien Arena, Germany
Oct 11: Lodz Atlas Arena, Poland
Oct 13: Brno Winning Group Arena Brno, Czech Republic
Oct 14: Budapest MVM Dome Budapest, Hungary
Oct 16: Limassol Tsirio Stadium, Cyprus
Oct 18: Istanbul Fenerbahçe Ülker Sports Arena, Turkey
El destacado tema de "Metal Health", lanzado como single el 11 de julio de 1983, en un comienzo no contaba con el entusiasmo de la banda.
Quiet Riot estuvo a punto de sabotear su oportunidad de alcanzar el estrellato cuando entraron al estudio para grabar una versión que definió su carrera de «Cum on Feel the Noize» de Slade.
Fundada en 1973 Randy Rhoads, el futuro guitarrista de Ozzy Osbourne, Quiet Riot logró un seguimiento constante en su Los Ángeles natal durante los siguientes años. Pero no logró atraer la atención de ningún sello importante. Dos álbumes homónimos, lanzados exclusivamente en Japón en 1978, no lograron elevar su perfil.
Hastiado de su falta de progreso, Rhoads se unió a la banda de Osbourne al año siguiente, seguido poco después por el bajista de Quiet Riot, Rudy Sarzo. Cojeado por la pérdida, Quiet Riot renunció en 1980.
Kevin DuBrow siguió trabajando en el circuito de clubes de Los Ángeles con un grupo homónimo, tocando el mismo hard rock patentemente fuera de moda que no logró encender la carrera de Quiet Riot. La banda DuBrow parecía condenada a un destino similar, hasta que su cantante fue visitado por un ángel en la forma del productor Spencer Proffer.
Proffer había comenzado trabajando con Clive Davis en CBS Records, luego se mudó a United Artists Records y finalmente fundó Pasha Records en 1978. Pasha poseía estudios y tenía distribución a través de CBS, pero los antiguos empleadores de Proffer no le dieron la hora del día. Aún así, tenía una idea de un millón de dólares que sabía que atraería la atención de CBS, si tan solo pudiera encontrar la banda adecuada para ella.
«Conducía por Los Ángeles trabajando en un sencillo de Eddie Money como trabajo diario, tratando de ganar unos cuantos dólares, y escuché la versión de Slade de 1973 de ‘Cum on Feel the Noize’ en la radio, en una estación pop», recordó Proffer en el libro de 2021 de Tom Beaujour y Richard Bienstock Nothin ‘but a Good Time. La canción de los glam rockers británicos había encabezado las listas de éxitos en su Reino Unido natal, pero Slade nunca encontró el mismo punto de apoyo en los Estados Unidos.
Aún así, Proffer tenía claro que «Cum on Feel the Noize» también tenía potencial al otro lado del Atlántico. «Este fue un himno de rock participativo», dijo. “Invitó a la gente a participar: ‘Vamos, siente el ruido, las chicas rockean a tus chicos’. Y dije, ‘Mierda. Si pudiera encontrar una banda para cantar esta canción…’ Entonces podría conseguir que CBS, con quien tenía un trato, me prestara atención, porque no lo hicieron. Pensaron que estaba loco».
Proffer realizó algunas llamadas para encontrar un artista que estuviera dispuesto a aceptar su idea y, finalmente, apuntó en la dirección de DuBrow. Conoció a DuBrow en el Country Club de Reseda, California, y le hizo una propuesta.
«Dije, ‘Te diré algo, te daré tiempo en el estudio. Si haces una canción que creo que podría ser un éxito, haré tres de las tuyas. La pagaré, la grabaré. Acabo de hacer un trato con CBS, creo que puedo decirlo». a través del sistema. ¿Harías esto? Bueno, no sabía que todos en el negocio los habían ignorado. Recorrieron el Strip de un lado a otro, tocaron el Trovador, tocaron el Roxy. Todos los ignoraron. Pero Kevin dijo que estaba bien, así que hice un trato con ellos», dijo Proffe.
DuBrow y el baterista Frankie Banali reclutaron al guitarrista Carlos Cavazo y volvieron a reclutar a Sarzo, quien había perdido la alegría de tocar y dejó la banda de Osbourne después de la muerte de Rhoads en marzo de 1982. No todos estaban emocionados por grabar una versión, incluso con los centavos de Pasha.
«Spencer quería que hiciéramos ‘Cum on Feel the Noize’, y nunca tuve ningún problema con eso. Realmente no hizo ninguna diferencia para mí. Sin embargo, Kevin estaba furioso con la idea. Se veía a sí mismo como un compositor consumado. No necesitaba hacer material externo», recordó Banali en Nothin’ but a Good Time.
Miembros de Quiet Riot.
Supuestamente, los miembros del grupo idearon un plan para sabotear la grabación, y no practicaron la canción para que, cuando llegara el momento de ir al estudio, su actuación fuera tan desastrosa que Proffer se rindiera y les dijera que continuaran con sus canciones originales. Pero Quiet Riot subestimó su aptitud para el rock participativo de himnos.
«Entramos, no había introducción, nada en absoluto. Hubo un poco de discusión sobre cómo iba a comenzar. Finalmente, cuando supe que el ingeniero estaba grabando, Empecé a tocar lo que se convirtió en la introducción. Rudy se unió y luego Carlos se unió. Kevin estaba sentado en la esquina del estudio, riéndose, esperando este choque de trenes masivo, y el choque de trenes nunca sucedió», dijo Banali a Songfacts en 2017.
A pesar de sí mismos, Quiet Riot regisró una toma asesina. «Y luego, cuando terminamos, el productor dice: ‘Eso sonó genial. Ojalá lo hubiéramos grabado’. Y el ingeniero dijo: ‘Adelante’. Entró a escuchar, y Kevin me agarró del brazo y casi me disloca el hombro. Él dice: ‘¿Qué diablos fue eso?’ Y dije: ‘No lo sé, hombre. ¡Acabo de empezar a jugarlo!’ Él dice: ‘Bueno, ¿qué se supone que debo hacer ahora?’ Y dije: ‘Bueno, siempre puedes cantar una mierda, ¿no?'», recordó Banali.
En vez de eso, DuBrow presentó una actuación entusiasta que sonaba similar a Noddy Holder de Slade. CBS accedió a regañadientes a dejar que Proffer terminara de hacer el disco que se convertiría en «Metal Health«, con una condición: dejar de llamar a la banda DuBrow. Incapaces de encontrar una alternativa decente, volvieron a Quiet Riot. Lanzado como sencillo en julio de 1983 y con la ayuda de un llamativo video que se convirtió en un éxito de MTV, «Cum on Feel the Noize» llegó al No. 5 en el Billboard Hot 100 e impulsó a «Metal Health» al No. 1 en noviembre, ocho meses después. su liberación.
Se convirtió en el primer LP de metal en encabezar la lista, desbancando a «Synchronicity» de The Police, y vendió 6 millones de copias en los EE. UU., encendiendo la locura del glam-metal que dominó la industria de la música durante el resto de la década. «Quiet Riot no solo se abrió paso», dijo el líder de Twisted Sister, Dee Snider, en Nothin’ but a Good Time. «No solo hicieron un agujero en la pared. Derribaron la maldita pared».
Mientras tanto, Slade respondió diplomáticamente al nuevo éxito de «Cum on Feel the Noize», incluso si los miembros de Quiet Riot sospechaban que estaban amargados. «Estamos felices de que Quiet Riot haya tenido un éxito tan grande con la canción. Siempre estuvimos convencidos de que si el material era bueno, resistiría el paso del tiempo», dijo Holder a The Fort Worth Star-Telegram en 1984.
Quiet Riot estuvo de acuerdo, ya que grabaron otra versión de Slade, «Mama Weer All Crazee Now», para su seguimiento de Metal Health, Condition Critical de bajo rendimiento.
En una emocionante noticia para los fanáticos del rock, David Lebón será el telonero del esperado show de Eric Clapton en el estadio Vélez Sarsfield el próximo 20 de septiembre. Esta colaboración no sólo representa un hito en la carrera de Lebón, sino también un sueño largamente esperado que finalmente se concretará después de más de tres décadas.
David Lebón, una figura icónica del rock argentino, tendrá la oportunidad de abrir el espectáculo de Clapton, uno de los guitarristas más influyentes en la historia del rock y el blues. La noticia de su participación como telonero generó gran expectativa entre los seguidores del género, quienes reconocen a Lebón como una pieza clave en el desarrollo del rock nacional.
Un sueño aplazado y un presente brillante.
En una entrevista reciente con Juan Di Natale en Mega 98.3, Lebón compartió su entusiasmo por este nuevo desafío y reflexionó sobre la oportunidad perdida en 1990. “Cuando vino la primera vez a River, yo iba a ser el telonero. Era muy jovencito y estaba muy feliz. Vivía muy cerca del Monumental, pero entre los managers no se arreglaron las cosas, entonces arrancó el show y yo estuve llorando toda la noche”, confesó el músico, quien aún recuerda con tristeza aquel momento fallido.
La leyenda del Rock y del Blues mundial, Eric Clapton, y la leyenda local David Lebón.
Sin embargo, Lebón también expresó su alegría por esta nueva oportunidad, considerando que “ahora sí va a suceder” y que lo “agarra en un mejor momento que aquel”. La historia de este anhelo perdido se convierte en una anécdota que resalta el valor de este nuevo capítulo en su carrera. “Estoy muy contento de abrir”, agregó, subrayando su admiración por Clapton, con quien comparte una profunda conexión a través del amor por el blues y la música de calidad.
En la actualidad, David Lebón vive un momento de esplendor en su carrera solista, con recientes reconocimientos como el Gardel de Oro por su álbum Herencia Lebón. Este éxito se suma a una trayectoria llena de hitos, desde su participación en bandas legendarias como Serú Girán y Pescado Rabioso hasta sus trabajos como solista que han marcado el desarrollo del rock argentino.
Clapton y su legado en el rock
El regreso de Eric Clapton a la Argentina es un evento esperado por muchos, dado que el guitarrista británico celebra 60 años de carrera con una gira mundial. Clapton, conocido por su virtuosismo en la guitarra y su habilidad para fusionar rock y blues, es recordado por clásicos como “Layla”, “Cocaine” y “Tears in Heaven”. Esta será su cuarta visita al país, después de presentaciones en 1990, 2001 y 2011.
La espera para el 20 de septiembre en el estadio José Amalfitani promete ser un momento memorable para todos los amantes del rock, con David Lebón y Eric Clapton compartiendo escenario en una noche que unirá generaciones de fanáticos del género.
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